Dune 2

Denis Villeneuve demostró en el 2021 que se puede hacer una buena adaptación cinematográfica de una obra compleja como lo es “Dune” de Frank Herbert, superando la versión de culto de David Lynch. En ese momento el director concibió el libro como una saga e hizo que la trama fuera más potable al espectador. 

Ha llegado el momento del estreno de “Dune 2”, la cual ha sido tan estimulante como su predecesora.  El joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido. 

Una secuela de calidad, donde no parece que han pasado 3 años, todo se mantiene intacto, la sensación de estar frente a una obra monumental es la misma. Creo que hubo un buen trabajo de guion a la hora de dar continuidad a las tramas y a los personajes, algo que es poco usual en segundas partes. La duración ronda casi las 3 horas porque Villeneuve ama llevarnos por el desierto, por esas batallas apoteósicas y dilatar ciertos momentos.

Si en la primera los aspectos de realización eran impresionantes, aquí continúan siendo el ingrediente, lo jugoso. Repite el maestro Hanz Zimer en la banda sonora y en la fotografía Greig Fraser.

Villeneuve es el director de ciencia ficción que lo mismo rueda una historia filosófica y humanista como “Arrival”, que vuelve sobre lo culto en “Blade Runner 2049”, que esta epopeya.  Se quedarán en la memoria las escenas de los grandes gusanos, las imágenes del sol negro en Giedi Prime.

Con 627 millones de dólares recaudados, “Dune 2” es por el momento la película más taquillera del año. A la del 2021 se le cuestionó la falta de emotividad, drama y sentimentalismo por parte de la pareja principal, en ese momento no había necesidad de explorar ese arco dramático.

En “Dune 2” ya vemos una relación más intensa entre Paul y Chani, llegan nuevos personajes y Jessica sufre una transformación interesantísima.  Timothée Chalamet y  Zendaya, continúan en sus mismos roles, con esa frialdad que los caracteriza y esa capacidad de no transmitir nada en ningún momento.

Disfruto que Rebecca Ferguson aparezca más en pantalla, es una actriz que necesito ver más. Javier Bardem innecesario. Se incorpora Austin Butler, irreconocible, da miedo, espanta con esa caracterización, un gran villano. Florence Pugh tiene prácticamente un cameo, una pena.

A la espera de “Part Three” Denis Villeneuve comprende el significado de cine comercial con respeto y buen ojo, ojalá otros lo tomaran como ejemplo, ojalá todas las del género fueran como “Dune 2”.   

La Ermita

Carlota Pereda continúa en el camino de género, ahora estrena el filme de terror “La Ermita”.

Emma quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva siglos atrapada en la ermita de su pueblo. Intenta convencer a Carol (Belén Rueda), una incrédula y falsa médium, para que le enseñe a hablar con fantasmas. Su ayuda será el único camino para seguir unida a su madre enferma cuando ella muera. Si Carol no la protege, la vida de Emma correrá peligro.

Bastante alejada de lo que fue “Cerdita”, en concepto e historia, esta propuesta se apega al terror más convencional, de brujería y fantasmas. La directora se centra en la maternidad, en la pérdida y el duelo. Acierta construyendo atmósfera, la fotografía y la ambientación, encajan muy bien en el relato. 

“La Ermita” tiene ciertos momentos que me recuerdan a “Veneciafrenia” de Alex de la Iglesia, pero la cineasta intenta alejarse bastante de ciertos vicios de este tipo de cine tanto en España como en el extranjero. 

Maia Zaitegi es toda magia, milagrosa en su actuación, un talento natural, una fuerza que pocas veces se ve a esa edad.  Una vez más Belén Rueda enfrenta otro personaje oscuro, es la reina del terror en su país, que nadie lo dude. 

Puede que “La Emita” no sea todo lo redonda que la ópera prima de Pereda, pero sin dudas deja claro que ella es una voz autorizada en el tema.     

Bellas artes

Antonio Dumas, un prestigioso historiador de arte y gestor cultural, culto y sofisticado, aunque bastante cínico y engreído, es nombrado director de un importante museo de arte contemporáneo en Madrid, al salir victorioso en un concurso para ese cargo. Una vez asumido su nuevo cargo deberá afrontar, en medio de la fauna insólita del mundo del arte, un abanico de circunstancias y conflictos dispares: desde problemas gremiales y presiones políticas, hasta situaciones disparatadas en relación a las exposiciones y a los artistas.

Movistar+ llega con una propuesta perfecta para los tiempos actuales, tan sádica como cargada de humor en “Bellas Artes”. El libreto es de dos de los escritores más prolíferos del panorama audiovisual. Sus capítulos de 26 minutos reflexionan sobre el sentido, objetivo y credibilidad del arte, de los responsables de hacerlo.

Conh y Duprat han creado un estilo, un sello, y toda su obra siempre ha estado destinada hablar sobre situaciones relacionadas con el valor de lo artístico, en “El Ciudadano Ilustre”, “Mi obra maestra”, “Competencia oficial”, son películas que lanzan dardos al gremio. 

A diferencia de “El encargado” o “Nada”, que tenían quizás más situaciones humorísticas, “Bellas Artes” denuncia en cada dáalogo, critica en cada exposición de ese museo. Separar obra y artista, nepotismo, esnobismo, inclusión, son temas muy bien abordados en la serie. Resulta admirable cómo, a pesar de que todo es muy autoral, los guionistas no repitan en ningún momento. 

Oscar Martínez esta poseído, actor de altos quilates, el cinismo, el egocentrismo y esa soledad con su gato Borges me parecen fascinantemente interpretados.  

Espero que tenga segunda temporada, hay tanto que decir sobre el arte, sobre quienes lo hacen y quienes lo aprecian, “Bellas Artes” es en sí misma una antítesis de un ámbito sobrevalorado.    

Sugar

Un enigmático detective privado lucha contra sus demonios personales mientras investiga la desaparición de la querida nieta de un productor de Hollywood. Esta es la premisa de “Sugar” estrenada en Apple y creada por Mark Protosevich y Fernando Meirelles.

Una serie de calidad a todos los niveles, sobre todo se nota en su trabajo de guion y de estructura. Un drama con elementos de cine negro. Con un notable estudio de personajes y 49 minutos de metraje,  “Sugar” es una serie que parece cine de autor, lo parece por su estética, los realizadores apuestan por una primera escena en blanco y negro, por unos curiosos movimientos de cámara y por el uso de la voz en off.

Me recuerda a “The Killer” de David Fincher porque no le interesa la violencia, la sangre o lo sucio como “Jhon Wick”, es en exceso psicológica.  Otro elemento sugerente son las constantes referencias cinematográficas, el protagonista ama el cine clásico, lo dice en varios momentos, pero además en algunos momentos encontramos montaje de títulos de esa época. 

Qué bueno que Colin Farrell sea el protagonista, un actorazo, una presencia, desborda elegancia y entra en el personaje sabiendo lo complejo que es, nada que ver con “True Detective”. 

“Sugar” es al mismo tiempo un homenaje, al cine en sí y a los que realmente agradecemos otro tipo de contenido más serio y más inspirado, un regalo.  

Late night with the devil

Parece que todo el cine de terror que merece nuestra atención últimamente proviene de Australia. Primero fue “Talk to me” de Danny Philippou, Michael Philippou y ahora son otros hermanos, los Cairnes con “Late Night with the Devil”. Una transmisión de televisión en vivo en 1977 sale terriblemente mal, desatando el mal en las salas de estar de la nación.

El filme llegó con una promoción descomunal, incluso con un curioso dato en taquilla durante su primer fin de semana donde recauda 666.666. Creo que es muy original y valiente hacer este homenaje a la TV del pasado y relacionarlo con una sesión de espiritismo. 

“Late Night with the Devil” inicia con un prólogo muy inteligente que manipula al espectador, de hecho toda la película lo hace y eso es gracias a la manera en que está escrito el guion. El género ha sabido emplear muy bien lo de falso documental, lo de metraje encontrado y precisamente algunos de estos elementos son empleados por Cameron y Colin. No estamos viendo una cinta de los años 70 sobre un late famoso, estamos viendo el programa o sea que nosotros mismos somos parte del casting. 

A medida que van apareciendo personajes, los invitados, que se va mostrando la realidad de lo que se nos quiere contar, el ritmo es más inquietante.  La diferencia con “El conjuro”, “Imaginario” o “Night Swim”,  es inmensa, tú no sabes a dónde va parar el espectáculo y eso en el terror que es puro cliché ya es un milagro. 

El montaje, la escenografía, el uso de los colores ya terminan por convertir lo que vemos en una realidad aterradora. David Dastmalchian está perfecto en este rol, un actor para nada grandioso y sin embargo es el conductor ideal para dar temor. 

Love Lies Bleeding

Rose Glass tuvo un debut espectacular con la cinta de terror “Saint Maud” en el 2019, ahora llega con su segunda obra que nada tiene que ver con la anterior: “Love Lies Bleeding”.

Jackie está decidida a triunfar como culturista y se dirige a Las Vegas para participar en una competición. En su camino, pasa por un pequeño pueblo de Nuevo México donde conoce a Lou, la solitaria gerente del gimnasio local. El padre de Lou es traficante de armas y lleva las riendas de un sindicato del crimen. Jackie y Lou se enamoran. Pero su relación provoca violencia y ambas se ven inmersas en las maquinaciones de la familia de Lou.

A24 como siempre buscando títulos diferentes ha sido la encargada de la producción. La película es feminista, tensa, violenta, una mezcla de “Monster” con mucha más sangre y mala leche. Una historia de venganza, pero también de amores imposibles, tóxicos, de traumas familiares y de sueños. 

Glass apuesta por una visualidad hipnótica, por una banda sonora electrizante, un conjunto que explota a nivel sensorial. No creo que tenga nada que ver con “Thelma y Louise”, “Love Lies Bleeding” es demasiado excesiva, sexy y sobre todo impredecible. 

La película inicia con un tempo reposado, la supuesta atleta que quiere ser famosa y en otro lado la muchacha que se siente sola, unir estas dos almas hace que la película se desvíe de lo que inicialmente pensamos que sería. Era importante que se vieran las escenas sexuales lésbicas, Glass sin caer en el morbo, en lo pornográfico, rueda momentos que son tan brutales como carnales. 

Siempre me preocupó la elección de Kristen Steward como protagonista, esta sería su interpretación número 5 como homosexual. Más allá de siempre ser ella, los gestos, la mirada, noto que la directora supo sacar de ella una actuación más realista. Katy O Brian se me queda por debajo de Steward, pero lo que sí no cabe duda es la química que tienen ambas desde el primer momento y eso es algo fundamental para seducir.

Lo de Ed Harris es casi de película de terror, la caracterización física es de “Masacre en Texas”.  “Love Lies Bleeding” es una cinta compleja a niveles psicológicos, Rose Glass vuelve a sorprender con un trabajo soberbio detrás de cámara. 

Monkey man

Luego de una carrera como actor bastante interesante, De Patel se lanza a la compleja tarea de dirigir y “Monkey Man” le ha salido bastante bien.

Kid es un delincuente que acaba de salir de prisión y vive en la India, intentando adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carente de valores espirituales. Allí luchará por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas.

Con la bendición de Jordan Peele como productor, alejándose del cine de Bollywood, aunque no lo parezca, el joven debutante presenta una ópera prima que si bien es genérica, también demuestra que no ha querido copiar de otros. 

En la primera parte del filme el tono es bastante dramático, todas las secuencias de acción ocurren en la otra mitad. El guion, la idea central, la hemos visto en muchas cintas, de hecho pareciera que para convertirte en héroe hay que asesinarte a alguien para que entonces nazca en ti el sentido de la venganza. 

Con leves tintes de crítica social, con una puesta en escena bastante peculiar a través de los colores que utiliza Patel para darle más carga psicológica a la cinta, y la sugerente banda sonora, “Monkey Man” es un entretenimiento aceptable.

 Todas las películas de acción actuales se parecen, todos los protagonistas masculinos parecen clones de Jhon Wick, Kid tiene sensibilidad, un dolor que se siente a lo largo de todo el filme y eso le da cierta identidad. Siempre he creído que Patel es un actor con grandes posibilidades para desdoblarse y si lo pensamos desde sus inicios  en “Slumdog Millionaire” o “El hombre que conocía el infinito”, pasando por “Lion”, puede dar un actor de peso.

“Monkey Man” no es la película más violenta de la década como dicen algunos, lo más destacable es la dirección y que probablemente hay una nueva voz con mucho que decir.  

Caso Asunta

El 21 de septiembre de 2013 Rosario Porto y Alfonso Basterra denuncian la desaparición de su hija Asunta, cuyo cuerpo es encontrado horas después junto a una carretera a las afueras de Santiago de Compostela. La investigación policial pronto desvela indicios que apuntan a Rosario y Alfonso como posibles autores del crimen. La noticia conmociona a toda la ciudad e incluso al país. ¿Qué puede llevar a unos padres a acabar con la vida de su hija? ¿Qué se esconde detrás de esa fachada de familia perfecta?

Ramón Campos (“Un asunto privado”, “En el corredor de la muerte”, “45 revoluciones”) estrena en Netflix “El caso Asunta”. Las últimas series criminales basadas en hechos reales de la plataforma digamos que no habían sido de mi agrado, afortunadamente en esta ocasión aciertan con el tono y la forma. 

Con una duración de 50 minutos por capítulo, la serie propone una investigación alejada de sensacionalismo y de lo que usualmente Netflix defiende, que es lo comercial.  “El caso Asunta” parte de un suceso monstruoso, llevarlo a la pantalla requería un rigor, una seriedad que por suerte Campos consigue.

Como espectadores estamos ante una incertidumbre, la duda se siente en cada episodio, no sabemos por qué unos padres se convierten en asesinos de su propia hija, la ambigüedad de los personajes es el fuerte de la serie.  La puesta en escena es austera, incluso el director recurre a escenas grabadas para darle más credibilidad a lo que se está narrando. 

“El caso Asunta” te atrapa por el asesinato en sí pero además por el magnífico trabajo de su reparto. Candela Peña está para ganarse los Feroz, los Forque, impresionante, la voz, la mirada, un trabajo que da miedo.

A Tristán Ulloa jamás lo había visto, pero es maravilloso. Siempre disfruto a  Javier Gutiérrez. Hay que ver “El caso Asunta”, no somos capaces de imaginar hasta donde pueden llegar los sentimientos más viles de cualquier ser humano.