Disclaimer

La aclamada periodista Catherine Ravenscroft ha construido su reputación revelando los delitos y transgresiones de otros. Cuando recibe la novela de un autor desconocido, se horroriza al darse cuenta de que ahora ella es la protagonista de una historia que expone sus secretos más oscuros. Basada en la novela de Renée Knight.

Apple estrena el nuevo trabajo de Alfonso Cuarón en formato de serie, “Disclaimer”

En apariencia es más cine que televisión, porque sabemos que el director es bastante apegado a la pantalla grande. A lo largo de 45 minutos, Cuarón propone una historia supuestamente psicológica, cargada de thriller, que simplemente no funciona. 

El mayor error de “Disclaimer” es la manera en que está estructurada, el montaje paralelo y la voz en off tienden a ser bastante irregulares. Mientras trascurre el presente, la actualidad, digamos que me muestro motivada, pero cuando vamos al pasado, cuando Cuarón comienza a mostrarnos a la Catherine joven y al matrimonio mayor, es como si fuera otra serie, se va el ritmo.

De todos los cineastas mexicanos creo que es del grupo de los sobrevalorados. 

Como actriz principal, Cate Blanchett ha tenido mejores interpretaciones, ha sido mejor dirigida. Kevin Kline una caricatura y de tantos actores de Hollywood, Sacha Baron Cohen en un rol dramático, innecesario

Alfonso Cuarón no termina de convencerme ni a niveles dramatúrgicos, ni de escena, su discurso es bastante insípido. 

Querer

Alauda Sánchez de Azua se pasa a la televisión y estrena en Movistar +, “Querer” 

Tras 30 años de matrimonio y dos hijos en común, Miren abandona el domicilio conyugal y denuncia a su marido por violación continuada. Esta grave acusación obliga a los hijos a elegir entre creer a su madre o apoyar a un padre que defiende su inocencia. Un viaje familiar que avanza en paralelo al judicial con un mismo objetivo: conocer la verdad.

No es usual encontrarse argumentos de este tipo, se habla bastante de violencia de género, pero no en el matrimonio, de hecho es algo impensable. 

“Querer” no es una serie feliz, superficial, no es una obra de Netflix, Alauda sabe que quiere denunciar, por eso el tono tan serio y el ritmo denso. 

Esta familia aparentemente normal, unida, se desestabiliza ante este testimonio y ante la posibilidad de que los hijos ni siquiera conozcan realmente quién es el padre. 

Si en “5 lobitos” la guionista hablaba del miedo a ser madre, a fracasar en la tarea, aquí es como ser mujer ante todo, más allá de ser esposa o progenitora. 

Tiene diálogos poderosos que reflejan la percepción real de la sociedad ante la violencia, el consentimiento y los roles de cada cual en la pareja. La puesta en escena es realista, natural y al mismo tiempo austera para no caer en banalidad, en sentimentalismo y eso es acertado.

“Querer” no fuera del todo redonda sin esa imagen de Nagore Aranburu se ha marcado una de las interpretaciones más complejas en la televisión en lo que va de año. Pedro Casablanc es el marido acusado, al mismo tiempo ambiguo en cada episodio. Raro encontrarse a Miguel Bernardeau fuera de “Élite” o el “Zorro”, más entregado.

Alauda Sánchez de Azua se reafirma como una voz poderosa, necesaria, y “Querer” es un producto tan lúdico como obligatorio.

María

Bernardo Bertolucci es conocido por ser uno de los directores más influyentes en el mundo del cine, su cinta “El último tango en París” pasó a la historia como una de las más polémicas.

Jessica Palud adapta la novela de Vanessa Schneider en “María” donde visualiza los hechos que acontecieron en ese rodaje.

La película sigue en parte la controvertida producción y las desgarradoras consecuencias de la obra maestra del cineasta en 1972, un hito que convirtió a Maria Schneider en un ícono al tiempo que la encerraba en una imagen sexualizada de la que nunca pudo escapar.

Historia sonada, cuestionada, incluso olvidada, sobre todo la figura de la protagonista. 

Ahora todo es más simple, hay Me too, coordinadores de intimidad y en cierta medida los set son un entorno seguro.

En la cinta, la directora muestra el calvario de una joven que no pudo superar el trauma de una violación, que incluso al denunciarlo no fue escuchada y todo lo que eso supuso a nivel psicológico y para su carrera.

“María” no es un biopic, es una cinta para denunciar, para reivindicar la figura de esta mujer que se humilló y al volver sobre el tema me parece escabroso, que Brandon y Bertolucci salieran inmunes del delito. 

Pletórica Anamaria Vartolomei, un rol muy complejo y que ella asume con entereza, con credibilidad, sin caer en estereotipos. 

Aplaudo la valentía de Palud por defender nuestros derechos aun cuando haya pasado tanto tiempo. 

Bitelchús 2

Se está haciendo costumbre hacer secuelas de filmes que ya tienen 20 o 30 años, algo riesgoso, pero que a Joseph Kosinski le salió bien con “Top Gun Maverick” y ahora a Tim Burton con “Bitelchús”

Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia, todavía atormentada por “Bitelchús”, da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es solo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de “Bitelchús” tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos.

Todo lo que sucede en pantalla es bien loco, el que vio la del 80 sentirá la actualización sobre todo a niveles visuales, pero al recién llegado le costará entrar en ese mundo burtiano.

Creo que es de los pocos directores que entiende realmente el concepto de cine fantástico y cómo hacer un cine comercial de autor. 

Ciertamente a “Bitelchús” no le hacía falta un regreso, pero bajo su mirada y con parte del reparto original, uno se va a divertir. 

La escena de stop motion, la banda sonora en la cual encontramos música de los Bee Gees, el uso del color y la cuarta pared son algunos de los elementos que hacen que esta nueva entrega tenga un sello original.

No es usual ver en el cine demonios como este, cargados de humor negro, ridículos incluso, y que al mismo tiempo conecten con el público, hay diálogos que son muy simpáticos. 

Nuevamente Michael Keaton de protagonista junto a Winona Ryder, mayores ambos. 

Se incorpora Jenna Ortega salida de “Wednesday”, pero solo en set, y tenemos a la diva Monica Bellucci que al parecer será la nueva musa del realizador.

“Bitelchús” es un sí una secuela que funciona como un reloj y que dice mucho del estado actual de Tim Burton

El conde de Montecristo

Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière se han convertido en la sensación francesa este 2024 con su reinvención de “El conde de Montecristo” 

Todos los sueños del joven Edmundo Dantès están a punto de hacerse realidad, y por fin podrá casarse con el amor de su vida, Mercedes. Pero su éxito inspira la envidia desde varios frentes. Traicionado por sus rivales y denunciado como miembro de una conspiración pro-Bonaparte, es encarcelado sin juicio en el Château d'If. Su compañero de prisión, Abbé Faria, le habla del legendario tesoro escondido en la isla de Montecristo, y Dantés sueña con escapar y urdir un plan extraordinario para vengarse de sus poderosos enemigos.

El filme ha sido un fenómeno en taquilla, incluso estuvo a punto de ir a por el Oscar en representación de esa región. 

Estrenada en Cannes, con una duración de 3 horas, en las cuales no hay tiempo para el aburrimiento o el hastío, es una adaptación solvente y recomendable. 

Los cineastas no tienen una carrera extensa, ni títulos tan reconocidos, entre ellos se encuentran “Lo mejor está por llegar”, “Un gran desconocido”, “El nombre” y tal parece que llevan toda la vida rodando este tipo de cine. 

Adaptación número 13, entre películas y series, de una de las obras más famosas de Alejandro Dumas y que realmente se luce por encima de muchas. 

El gusto por la puesta en escena es exquisito, el detalle, la fotografía y el diseño de producción son sencillamente alucinantes. 

Como ya ocurría en las recientes entregas de “Los tres mosqueteros” es la visualidad el primer gancho de “El conde”. 

El guion ya lo sabemos: una historia de venganza, un hombre que le arrebataron todo y busca justicia, es clásica a todos los niveles, en concepto, en desarrollo y es opuesto a todo lo que vemos a diario. 

Épica con tensión, con escenas que te demuestran que hay un mundo más allá de los superhéroes, de las sagas y secuelas, un cine más caro, eso sí, pero con un sentido de lo comercial más serio. 

No tenía a Pierre Niney, como un actor capaz de desdoblarse a niveles dramáticos, psicológicos o físicos y me ha sorprendido gratamente, como Dantés, inmenso. 

Otra vez Francia con su vuelta al pasado, al séptimo arte de siempre, este nuevo “Conde de Montecristo” es todo lo que espero del cine palomitero.

Casa en Flames

Apenas se acaba el 2024 y se tiene que hablar de “Casa en Flames”, de Dany de la Orden una cinta epidérmica y catártica. 

Montse está emocionadísima porque está a punto de pasar un fin de semana con toda la familia en su casa de Cadaqués, en la Costa Brava. Está divorciada hace tiempo, su ex tiene una nueva pareja, sus hijos han crecido y hace tiempo que hacen su vida sin hacerle ningún caso, pero a Montse nada ni nadie conseguirá fastidiarle los ánimos; hace demasiado tiempo que espera este momento, demasiado tiempo que sueña con él: éste fin de semana será sí o sí un fin de semana ideal..., aunque para ello tenga que quemarlo todo. 

Considero que es el mejor trabajo del cineasta hasta el momento, si en “El test” y “Loco por ella” jugaba con la comedia, aquí se apega más a la estructura de Litus. 

“Casa en Flames” reconstruye el modelo de familia sobre todo el de madre, el de la líder que siempre tiene que resolverlo todo y es el personaje positivo. 

El inicio parece que será otra historia sobre un fin de semana donde un grupo de personas unidas por la sangre tendrán diálogos de reproches y reclamos, pero el resultado es mucho más gratificante que los últimos títulos que hemos visto parecidos. 

Es impresionante cómo se maneja el tono, es una tragicomedia que transcurre entre giros que nadie espera. Hay un solo conflicto y todos los personajes se mueven en torno a ello. 

“Casa in Flame” funciona porque es dinámica, porque no se estanca en diálogos forzados, todo fluye como la vida misma, con todo lo bueno y malo que eso lleva. 

Hace rato no encontraba un rol como el de Montse, una antiheroína con la cual no funcionan los juicios morales, ni las críticas y duele ver como muchas mujeres son ella misma. 

De la Orden ha demostrado que tiene buen dominio en escena de sus actores, sabe sacar de ellos todo. 

En esta ocasión Emma Vilarasau es una diosa para la cámara, imponente con sus capas y matices. Enric Auquer cada vez mejor en la comedia. María Rodríguez Soto, Macarena García y Alberto San Juan también lo hacen muy bien. 

“Casa en Flames” es lo cotidiano, la realidad, la verdad y Dany de la Orden sabe reflejarlo como nadie.

Robot salvaje

Dreamworks, que generalmente ha vivido a la sombra de Disney y Pixar, se acaba de anotar la que tal vez sea su mejor trabajo en años “Robot Salvaje”

El épico viaje de un robot —la unidad 7134 de Roz para abreviar— que naufraga en una isla deshabitada y debe aprender a adaptarse al duro entorno, entablando gradualmente relaciones con los animales de la isla y convirtiéndose en padre adoptivo de un pequeño ganso huérfano.

El responsable es Chris Sanders (Lilo y Stich, Cómo entrenar a tu dragón, Los croods). Le ha ido tan bien en taquilla con sus 200 millones de recaudación que ya se prepara una secuela.

Debe ser una firme candidata al Oscar y tiene grandes posibilidades. Si Wall E enamoró a muchos en su momento “Robot Salvaje” llega cuando el mundo está saturado de inteligencia artificial y no se habla de nada más que el futuro dominado por las máquinas 

El guion del filme está cargado de calidez, de humanidad, incluso el viaje resulta conmovedor aunque no innovador.

A niveles técnicos no es un trabajo que destaque en la animación, ni en el color o en la textura de sus escenarios. 

“Robot Salvaje” muestra una cara positiva, esperanzadora y para nada solitaria, de lo que pudiera ser un mundo idílico con ellos, generalmente el género de ciencia ficción no asume esta postura.

La voz de Lupita Nyong'o es la clave para dejarte llevar en una película donde ella es el hilo conductor, cada vez me impresiona más. Pedro Pascal y Kit Connor también tienen sus apariciones. 

A veces hacen falta este tipo de cintas, lejos de violencia, de crimen o de animados para adultos y simplemente abrazarnos y dar gracias por tener alguien que nos quiera. 

La sustancia

Son tiempos de feminismo forzado, de autocríticas hipócritas y por supuesto de darle al público lo que quiere.

 Coralie Fargeat ganó en Cannes la Palma a mejor guion con la burda “The substance” 

«Tú, pero mejor en todos los sentidos». Esa es la promesa, un producto revolucionario basado en la división celular, que crea un alter ego más joven, más bello, más perfecto.

Las películas, mientras más largas más innecesarias, menos que contar y más grandilocuencia y postureo de los directores, en este caso el metraje dura 2 horas y 20 minutos.

Ya Fargeat había dirigido la atroz “Revenge” que también me pareció de pésimo gusto y la aplaudieron. “The substance” copia de todo y no precisamente es un homenaje. 

Los colores y el tono de Brian de Palma, planos de Kubrick y quiere superar “The Neon demon” de Nicolas Winding, pero claro eso es imposible, este es más inteligente. 

A primera vista la historia serviría como crítica a la vanidad, al miedo a envejecer y a la frivolidad del mundo del espectáculo. 

Si no se sexualizara tanto, sino se regodeara en el morbo, en esas escenas sangrientas que realmente le restan reflexión, a mí “The substance” me hubiera dado una película como menos interesante. 

No le veo lo arriesgado, ni provocador y si “Titane” o “Crudo”, en lo repulsivo denunciaban y te noqueaban, aquí siento que quieren todo el tiempo simular que estamos ante una obra maestra.

Resulta que ahora Demi Moore va a por el Oscar y relanza su carrera, una actriz anodina que nunca ha demostrado ser versátil. Por su parte Margaret Qualley sigue apostando por cualquier tipo de registro y tampoco acierta, ni siquiera se parecen físicamente.

El público actual es cada vez más impresionable, menos racional y cuando ven un final que copia a “La Mosca” o “La Cosa” se les olvida que ya esto existía.

“The substance” no es ni lo mejor del 2024 ni tampoco un filme para la historia, es otro título de temporada, de furia y de olas mediáticas. 

Alien Romulus

El universo “Alien” tiene muchos fanáticos, entre ellos realizadores de cine, Fede Álvarez quizás ha logrado su sueño de entrar en él, pero en lo personal creo que era mejor que no la rodara. 

En 2142, una sonda espacial de la corporación Weyland-Yutani investiga los restos del USCSS Nostromo y recoge un objeto orgánico que contiene un Xenomorfo. Tiempo después, en la colonia minera Jackson's Star, la joven Rain Carradine, una huérfana que trabaja con su hermano adoptivo Andy, un humano sintético reprogramado, acepta unirse a su ex-novio Tyler para viajar a una nave espacial abandonada a intentar recuperar unas cámaras de criostasis. Estas les permitirán a ellos y a sus amigos (la hermana de Tyler, Kay, su primo Bjorn y la novia de este, Navarro) escapar todos al planeta Yvaga.

La realidad ha demostrado que el único que hace bien una película del xenomorfo es el propio Ridley Scott.

“Romulus” es una copia a trozos de las 6 cintas anteriores, vistiéndola de secuela de la original con el regreso de un Rook cargado de CGI.

Álvarez se apega más al concepto de cine de acción comercial de Cameron y Fincher y se olvida de la historia de los orígenes y de lo filosófico, incluso se olvida que debe dar miedo. 

Su mejor película “Evil Dead”, sus peores trabajos “No respires”, “Abierto hasta el amanecer” la serie “Millennium”, eran suficiente prueba para no tenerle fe. 

Los primeros momentos de “Romulus” son demasiado lentos y aportan prácticamente nada a lo que ya conocemos. 

Seguidamente al director se le ocurre empezar a destapar criaturas en cada plano y a tener disparos sin sentido. 

No me convencen los efectos visuales, no me entretiene y tanto guiño, tanto copiar o mezclar argumentos de “Prometheus” y “Covenant”, que son mucho mejores, terminan exasperándome. 

Otra vez una protagonista femenina , ahora Cailee Spaeny sigue el relevo de Sigourney Weaver, la vimos en “Civil War” y Priscilla pero definitivamente tiene mucho que aprender en materia de actuación. Michael Fassbender estuvo maravilloso de androide, David Jonsson es un error monumental. En sentido general el casting es penoso. 

Cuando ya Fede Álvarez tiene que resolver ese gran final se le ocurre un crossover bastante desafortunado y ridículo con la niña Medeiros de REC. 

“Alien Romulus” era lo que me temía y más, una secuela fallida de una joya que nadie jamás le sabrá hacer justicia.